Silvia Pereira Pelegrina

Deve ser maravilhoso viver na cabeça do francês Jean-Pierre Jeunet. Quem já assistiu a “O Fabuloso Destino de Amélie Poulain”, “MicMas – Um Plano complicado” e “Uma Viagem Extraordinária” sabe do que estou falando, pois são filmes que nos fazem sair leves e felizes do cinema.

O primeiro tornou-se um cult e projetou o nome do diretor e co-roteirista – em todos os títulos citados, em parceria com Guillaume Laurant – na história recente do cinema, graças à fotografia vibrante, personagens fora dos padrões, situações completamente improváveis e uma bem vinda fé na humanidade.

Os ingredientes eram inovadores para a época do primeiro filme (2001), mas a repetição deles prova que Jeunet investe na mesma receita – muito particular, é verdade, mas ainda uma receita – há pelo menos três filmes (exceção a “Eterno Amor, de 2004).

“Uma Viagem Extraordinária” prova que ela ainda funciona. Impossível não se enternecer com o relato que o menino T. S. Spivet faz do cotidiano de sua família muito peculiar, vivendo em um rancho de Montana.

Um dos três filhos do improvável casal formado por um caubói silencioso e uma cientista verborrágica (Helena Bonham Carter), T. S. é superdotado de inteligência. Seu irmão gêmeo ficou com a parte da força bruta na divisão dos dotes, e a irmã mais velha faz o gênero “típica-adolescente-fútil-rebelde”.

A viagem do título começa por causa de um projeto de máquina de movimento perpétuo de T.S., que acaba escolhido para receber o prêmio Baird, do Museu Smithsonian, em Washington. O garoto não tencionava ir recebê-lo, mas uma tragédia familiar o faz decidir embarcar clandestino em um trem para atravessar o país. No caminho, ele enfrenta a solidão, recebe ajuda de estranhos e, ao chegar a seu destino, aprende mais de uma lição.

Assim como “O Fabuloso Destino de Amélie Poulain”, “Uma Viagem Extraordinária” é visualmente bonito e prazeroso de assistir  – “uma gracinha”. Mas, graças à receita já conhecida, suspeito que não terá a mesma longevidade de Amélie Poulain na memória do público.

Quarta à noite, futebol na TV… “programa de índio” pra cinéfilo.

Zapeando pelo limitado menu do meu pacote econômico de canais pagos, estaciono mal conformada no único em que está passando um longa que eu nunca assisti, só para ter um fundo sonoro pra minha navegação na internet.

E não é que uns diálogos muito loucos e originais roubam minha atenção da tela do computador?

Mais correto dizer que o longa de animação “Megamente” me hipnotizou pelos 80 minutos seguintes. Sua história e diálogos impagáveis brincam com muita inteligência com os clichês de filmes de super-heróis.

A subversão já começa pelo argumento, que escolhe um vilão como o protagonista.

Megamente tem este nome por causa do tamanho de sua cabeça, que abriga um cérebro privilegiado, mas que ele usa para tentar conquistar, ao longo de diversas disputas contra o super-herói Metro Man, a cidade de Metro City. “Tentar” porque todos sabemos que o mocinho sempre ganha, certo?

Mas este não é um filme de super-herói comum, por isso, um dia Megamente consegue vencer Metro Man e finalmente domina a cidade.

Após algum tempo, porém, nosso vilão entra em depressão ao perceber que, sem um oponente “do bem” para ocupá-lo, sua vida perdeu o sentido. É quando elabora um modo de criar um outro super-herói com quem possa brigar, mas é claro que nada sai como planejado.

A sinopse nem de longe dá uma ideia do quão divertido resulta o desenrolar dessa história. Os diálogos são pérolas de ironia e auto-tiração-de-sarro do gênero.

Para se ter uma ideia, o “pai espacial” que Megamente cria para orientar o novo super-herói tem a voz e – o topete – de Marlon Brando na pele do pai de Superman, no filme homônimo.

Ah… e a trilha sonora tem sucessos de grandes nomes do rock contemporâneo, como AC/DC, Ozzy Osbourne, Guns’N Roses e outras feras.

Mais cool impossível!

!

Já aviso que esta matéria é imprópria para maiores de 18 anos com alto nível de testosterona, porque o assunto é choro de homens.

Em respeito aos “machões” que continuarem a leitura a partir daqui, vou tentar não me derramar muito ao comentar o trabalho de atores que me emocionaram profundamente em cenas nas quais tiveram de interpretar um bom choro… sem perder a masculinidade. E não me refiro a chorinhos de olhos mareados não, mas àqueles de soluços abundantes.

Começo lembrando uma cena lindíssima de Johnny Deep no filme que dá nome a este post, “Por que choram os homens?“. Na última noite em que seu personagem passa com a amada (Christina Ricci), prestes a embarcar em definitivo para outro continente, ele segura a pose de fortão até ela adormecer em seus braços. Na madrugada, chora copiosamente agarrado a ela. Ai, ai…

Em “Fonte da Vida“, Hugh Jackman (ele mesmo, o Volverine de “X-Men”) surpreende quando seu personagem chora a morte da mulher (Rachel Weisz) a soluços soltos e altos, a câmera em close fechado sobre seu rosto. Foi a primeira vez que notei que, no meio daquela aura de galã com “cara de mau”, esconde-se um bom ator.

Passei a prestar atenção no escocês James McAvoy em “Desejo e Reparação“, particularmente na cena em que ele se despede de Keyra Knightley em um restaurante de Londres, antes de partir para a guerra. Sua atuação é econômica, mas intensa ao simular que tenta segurar o choro, mas fracassa. As lágrimas escorrem abundantes sobre sua expressão de sofrimento.

O inglês Ralph Fiennes também mostra todo o seu potencial dramático na explosão de dor de seu personagem diante da perda da amada em “O Paciente Inglês“.

Já Mel Gibson está se tornando um especialista no expediente. Chorou sobre a foto da ex-mulher morta, no primeiro “Máquina Mortífera“; quando o filho asmático entrou em choque, em “Sinais“; sobre o túmulo da mulher, em “Coração Valente“; sobre o cadáver de dois filhos, em “O Patriota“; quando achou que o filho sequestrado havia sido morto, em “O Preço de um Resgate“; e, se não me engano, numa cena de “Teoria da Conspiração“. Irregular, sua dramaticidade vai do caricato ao convincente, dependendo do filme.

Agora vou falar da cena que considero a top entre as tops no quesito. Desafio qualquer coração de pedra a assistir incólume a Al Pacino dar aquele grito sem voz nos minutos finais de “O Poderoso Chefão 3“, para, em seguida, explodir em um uivo de dor! As lágrimas não foram necessárias…

BRAVO!!!

“Ela” (Her), filme de Spike Jonze que concorreu ao Oscar 2014, é triste.

E não porque fala de solidão, mas por mostrar uma solidão que já praticamos, um futuro imaginado que já está entre nós, geração hiperconectada que rende-se à preguiça de preferir contatos virtuais a pessoais (é mais fácil!).

Em uma das primeiras cenas, a personagem de Joaquin Phoenix está na rua falando sozinho, ou melhor, com seu sistema operacional, que tem inteligência artificial, voz e nome de mulher – Samantha. Nem todos os espectadores percebem que nesta mesma cena todos em torno dele também “falam sozinhos”, ou seja, com seus dispositivos eletrônicos.

A cena se repete em outros momentos do filme, mas então já percebemos como todos naquele futuro “imaginado” estão alienados, indiferentes aos outros seres humanos em torno, concentrados nas máquinas que lhes ouvem e respondem em qualquer situação.

Theodore (Phoenix) está se divorciando. Interagir com “alguém” criado para responder a todas as suas questões, práticas e sentimentais, parece a solução ideal para tirá-lo do luto pelo final da relação com sua companheira desde a infância.

A ironia é que nenhum amigo acha estranho quando ele admite que está em um relacionamento com um sistema operacional. Uma de suas melhores amigas, também recém-divorciada, confessa que, como ele, passou a se relacionar com o próprio sistema operacional. Daí que levar o computador como companhia a um piquenique de casais torna-se natural. O fato de Samantha tratar-se de uma “pessoa sem corpo” é irrelevante.

Mas onde há inteligência, mesmo que artificial, nada fica igual para sempre. Samantha começa a ir além de seu mundo com Theodore, a buscar satisfação para suas curiosidades e novos questionamentos – eles brotam onde há consciência – na interação com outros sistemas e usuários.

Theodore terá que lidar com uma questão nova para aquela relação, mas tão antiga quanto a história de todas as relações e para a qual a geração hiperconectada às máquinas – e cada vez mais desconectada dos sentimentos – ainda não encontrou: como não ficar só em um mundo no qual todos estão sempre procurando respostas para seus vazios fora de si mesmos?

O filme não tem resposta para isso.

Como disse, triste, triste, triste…

Muito se falou sobre as longas cenas de sexo lésbico em “Azul é a cor mais quente”: que são um libelo pela liberdade sexual, pornografia embalada em filme de arte, voyeurismo e por aí vai.

Esse barulho todo é, ao mesmo tempo, o maior trunfo e a maior fraqueza do filme dirigido pelo tunisiano naturalizado francês Abdellatif Kechiche (“O Segredo do Grão” e “Vênus Negra”). Trunfo porque funciona como marketing e fraqueza porque o impacto causado pelas cenas de sexo “asfixia” os demais aspectos do filme. Ninguém dá importância ao fato de que, por trás de todo o voyeurismo, existe uma história adaptada livremente da graphic novel homônima de Julie Maroh pelo próprio Kechiche.

E ela vem dividida em dois atos, como entrega o título original (“La Vie d’Adèle – Chapitres 1 et 2”): o primeiro mostra a descoberta da sexualidade pela jovem Adèle; o segundo descreve a trajetória de sua relação com Emma.

Adèle sente-se “incompleta” após a primeira transa com um rapaz de sua idade e fica ainda mais confusa quando uma colega lhe rouba um beijo. Quando conhece Emma, liberal e irreverente em seu cabelo azul, entrega-se à paixão.

A cor azul aparece nos cabelos de Emma e também no tom das roupas de Adèle em seu momentos mais cruciais, marcando de descobertas a transições.

A atriz Adèle Exarchopoulos empresta à Adèle do filme uma sensualidade natural, que equilibra com um inacreditável ar de inocência. No primeiro ato, a personagem não tem grandes ambições. Basta-lhe ser professora primária e a dona-de-casa da relação.

Já a Emma de Léa Seydoux é madura, intelectualizada e sustenta discussões cerebrais com seus amigos exuberantes.

O distanciamento desses dois mundos vai se dando gradativa e sutilmente até um episódio mundano precipitar tudo.

É uma história de amor tão legítima como a de qualquer casal – homo ou heterossexual –, mas cuja percepção pode escapar ao espectador que demorar-se demais no choque com as cenas “calientes”. Tente driblar essa armadilha.

Frescor é o adjetivo que me veio à mente após assistir a “Como Não Perder Essa Mulher” (“Don Jon”), em que  Joseph Gordon-Levit (de “500 Dias Sem Ela”e “50%”) atua e dirige. Mas o maior mérito dele foi ter também escrito esta história autêntica sobre um jovem viciado em pornografia que não consegue se satisfazer sexualmente em relacionamentos reais.

O começo engana. Começa transbordando testosterona, com o protagonista Jon descrevendo sua rotina de jovem ítalo-americano católico, bombado e pegador, daqueles que se referem a mulheres como se falassem de gado – com direito a dar nota para as candidatas ao “matadouro”.

Quando ele conhece Barbara (Scarlett Johansson), uma “nota 10” que faz “jogo duro”, começa a abrir exceções em suas regras de solteiro convicto. Afinal, vale tudo para “ganhar” essa mulher.

Você acha que o roteiro está caminhando para aqueles desfechos manjados de “o amor transforma”, mas a história já havia começado a dar sinais sutis de que nada é o que parece – o que era caça vai se revelando caçador – quando, de repente, dá uma guinada.

Claro que não vou estragar a surpresa de quem ainda vai assistir, mas adianto que a outra surpresa do roteiro é revelar-se romântico (a sua maneira muito original) quando parecia que se resumiria a um tratado do macho-comedor (é também, mas não só).

Nessa indústria que vive de histórias-receitas para vender ingressos em larga escala, um roteiro que surpreende é ouro!