Silvia Pereira Pelegrina

Depois de tudo o que li sobre o filme “Gravidade” na imprensa, fui ao cinema preparada para cenas contemplativas do espaço e um ritmo de narrativa mais lento. Afinal, é um filme todo rodado dentro de estúdio e seu elenco tem apenas dois atores, que passam a maior parte do tempo em trajes espaciais.

Mas devo dizer que o espaço sideral do diretor mexicano Alfonso Cuarón está mais para uma Marginal Pinheiros em horário de pico se comparado, por exemplo, ao de Stanley Kubrick em “2001 – Uma Odisseia no Espaço”. Tudo acontece neste território hostil, que parece regido pela Lei de Murphy (segundo a qual tudo o que pode dar errado, dá!).

A ação começa eletrizante logo nas primeiras cenas, quando uma nave da NASA em missão de conserto no telescópio Hubble é arrasada, deixando apenas dois sobreviventes: o experiente Matt Kowalski (George Clooney) e a novata Ryan Stone (Sandra Bullock). Lançados à deriva no espaço, sem comunicação com a base terrestre, eles precisam lidar com a gravidade zero e um estoque limitado de oxigênio para alcançar um dispositivo de reentrada na Terra.

Bullock carrega o componente trágico do roteiro. De luto pela filha morta recentemente, terá de escolher, a certa altura, entre entregar-se à morte ou lutar para sobreviver.

O diretor Cuarón constrói metáforas visuais sugerindo o significado da segunda escolha – repare na posição fetal de Sandra Bullock ao entrar na cápsula de reentrada. Muitos dos acontecimentos e imagens a seguir sugerem o simbolismo de um certo processo humano – a sofrida saída de um ambiente tranquilo para a entrada na Terra, o (re)aprender a andar…

Bullock defende bem a personagem, mesmo passando maior parte do tempo atuando apenas com a metade do rosto que o traje espacial deixa ver. Nada mal.

Wagner Moura com Matt Damon em cena de “Elysium”

“Elysium”, longa metragem de ficção científica estrelado por Matt Damon, entrou em cartaz no Brasil sob a pressão de três grandes pontos de interrogação:

O primeiro diz respeito às expectativas dos brasileiros em geral, ansiosos por ver como Wagner Moura se saiu em seu primeiro papel hollywoodiano; o segundo, de interesse dos cinéfilos em particular, remete à comparação deste segundo trabalho do cineasta sul-africano Neill Blomkamp, após seu retumbante sucesso de estreia com “Distrito 9”; e o terceiro, feito a todos os apreciadores de cinema em qualquer nível, é sobre se o filme, independente de qualquer comparação, funciona como entretenimento dentro de suas propostas.

Como me encaixo nas três categorias de apreciadores de cinema, vou dar minhas respostas:

1) Wagner Moura não me surpreendeu no papel do coiote Spider simplesmente porque eu não esperava dele menos do que uma atuação fantástica, como são todas as suas performances, seja em teatro, televisão ou cinema.

Para quem quiser mensurar seu talento pela comparação, basta lembrar as atuações de Matt Damon em quaisquer outros de seus filmes – da franquia Bourne a “Compramos um Zoológico”, só para focar dois gêneros bem díspares. É sempre “Matt-Damon-interpretando-alguém”.

Depois veja Moura em “Deus é Brasileiro”, “O Caminho das Nuvens” e “Tropa de Elite”: você se lembra  que é Wagner Moura ali? (eu não). O ator some atrás do personagem, tão perfeita fica sua caracterização. Em “Elysium” até me esforcei para encontrar a familiaridade das expressões de Capitão Nascimento no seu personagem, Spider, mas o que vi foi uma persona totalmente estranha, com um sotaque indefinível e um rosto que apenas lembrava o de Moura.

Só o carisma funcionou como sempre.

E o que deve estar enchendo todos os brasileiros de orgulho (a mim, inclusive) é que Spider e Frey – personagens de Moura e Alice Braga, respectivamente – são personagens tão importantes na trama que podem ser considerados co-protagonistas.

Ao contrário de Rodrigo Santoro, que começou em Hollywood com pontas sem fala e evoluiu gradativamente de pequenos papéis a co-protagonista, Moura pode se orgulhar de ter entrado em Hollywood pela “porta da frente” das grandes produções.

E chegou arrebentando!

2 e 3) Apesar de “Elysium” atender honesta e competentemente aos requisitos de um “bom” longa metragem de ficção científica, não vai além disso. Quando comparado a “Distrito 9”, com o qual seu diretor inovou, temperando sua história de ficção científica com crítica social e linguagem de documentário, fica aquém das expectativas.

Faltou aquele quê de originalidade que nos surpreendia a cada quadro de “Distrito 9”. Nas sequências de luta, eu sentia uma incômoda sensação de deja vú – a mesma que me assalta em qualquer outro filme de ação hollywoodiano, quando começa a sessão pancadaria.

Fez-me lembrar de um desabafo de José Padilha (diretor de “Tropa de Elite”), que li em algum lugar da internet, sobre sua frustração diante das várias recusas que suas modificações no roteiro de “Robocop” recebia dos chefões do estúdio. Lembro dele dar a entender que originalidade e criatividade são considerados “perigosos” para a bilheteria (será este o caso de Blomkamp?).

Até a crítica social, contundente em “Distrito 9”, sai mais fraca em “Elysium”, principalmente para nós, brasileiros. Pobres morrendo à porta de hospitais ou em macas pelos corredores sem atendimento decente de saúde, enquanto os ricos têm acesso aos últimos avanços na área e seus interesses defendidos por políticos corruptos? Para nós (INFELIZMENTE) é “filme velho”.

Michael Cera é Scott Pilgrim: rola até duelo com sabres de luz

Acredite, você não precisa ser viciado em videogame ou fanático por histórias em quadrinhos para se divertir a valer assistindo a “Scott Pilgrim contra o mundo” – mas se for dessas tribos, vai se divertir mais ainda.

O filme do jovem cineasta inglês Edgar Wright mistura estética de HQ e estrutura narrativa de videogame para contar uma história de amor adolescente com contornos surrealistas.

O roteiro faz piadas e/ou homenagens a alguns clichês e arquétipos contemporâneos, com inteligência e humor de sobra.

O protagonista, por exemplo, é o clichê do “looser”: nerd, aos 23 anos ainda toca baixo em uma banda de colégio, divide o apartamento com um amigo gay e namora firme uma jovem do Ensino Médio.

As aventuras começam quando ele se apaixona perdidamente pela linda e descolada Ramona Flowers. Contra todas as probabilidades, eles começam a namorar, mas Scott Pilgrim descobre que terá de enfrentar uma certa liga formada pelos sete ex-namorados da garota.

A cada luta que o protagonista vence, aparece um score de pontuação, como em um jogo de videogame.

Não raro a tela ganha visual de HQ.

Os diálogos, tão surrealistas quanto o visual, são de matar de rir e cheios de subtextos irônicos. Tudo isso em um ritmo frenético, bem ao gosto da atual geração, apressada e hiperconectada.

A certa altura, o vilão-mor vocifera, indignado: “Sabe quanto tempo levei para reunir todos os sete ex? DUAS HORAS!!!”.

É garantia de diversão para quem relaxar e deixar-se levar, sem preconceitos, pelo humor do absurdo, exagerado – aquele mesmo que costuma camuflar uma boa crítica.

Filmes feitos para a televisão não costumam frequentar listas de recomendações de cinéfilos e sequer constam em menus de sites especializados em cinema. Considero isso uma injustiça, pois alguns dos filmes que mais me tocaram foram feitos especialmente para a TV (como “Olhos Abertos”, por exemplo, dirigido por M. Night Shyamalan muito antes de seu sucesso com “O Sexto Sentido”).

Outro que ficou profundamente marcado em minha memória foi “Noite de Fúria” (“Sudden Fury – A Family Torn Apart”, 1993), cuja ficha técnica não encontro em nenhum site brasileiro de cinema – entre os internacionais, consta apenas no completíssimo Imdb, ainda assim de forma muito sucinta.

Assinado por Craig R. Baxley – um diretor de TV mais afeito a produtos de ação, mas que se saiu muito bem neste drama de suspense -, o titulo sempre volta à minha memória quando me deparo novamente com a questão da maternidade/paternidade. Vem como lembrete do quão sério considero a decisão de criar outro ser humano e do quão errado é baseá-la somente nas expectativas – muitas vezes egoístas – que se tem como pai/mãe.

A história começa com um adolescente (Neil Patrick Harris muito antes da série “How I Meet Your Mother”) em choque vagando, coberto de sangue, por uma floresta. Logo se descobrirá que se trata de Brian Hannigan, o mais velho de três filhos adotivos de um casal exemplar da comunidade, que é encontrado assassinado de forma extremamente violenta dentro da própria casa.

Brian e o irmão mais novo, Chris, de 7 anos, estavam em casa, mas o primeiro não se lembra de nada, e o segundo, apenas de ter visto o irmão do meio, Daniel (Johnny Galecki antes de ser Leonard na série “The Big Bang Theory”), vagando próximo à residência da família. Quando se descobre que Daniel – que cumpria temporada em um reformatório – havia escapado na noite em questão, todas as suspeitas recaem sobre ele.

Brian não acredita na culpa do irmão e ganha no advogado Tom Kelley, vizinho e amigo da família, um aliado. Decidido a defender os irmãos, Kelley inicia sua própria investigação. O que ele começa a descobrir, porém, vai contra a imagem de família perfeita passada à comunidade até então.

Das memórias em família dos irmãos, os Hannigan emergem como pais autoritários, intransigentes e frios, que encaram cada adoção como tentativas de moldarem filhos que se encaixem a um modelo perfeito pré-estabelecido por eles. De índole dócil, obediente e temperamento carinhoso, Brian se encaixa à perfeição ao projeto, o que os estimula a repetir a experiência. Só que o segundo adotado, Daniel, traz uma história pregressa difícil, que o torna um rebelde.

De conflitos em conflitos, conduzidos pelos pais de forma autoritária e nada amorosa, Daniel chega a ser condenado a uma estada de seis meses no reformatório. Em sua primeira saída para visitar a família, os filhos percebem algo errado na maneira formal com que os pais o recebem, em um lanche organizado na varanda de casa. Quando ele tenta entrar para seu quarto, a recusa dos pais esclarece tudo: Daniel está sendo substituído. Foi “reprovado” como filho e está sendo friamente descartado da família, como um brinquedo quebrado.

Um mergulho maior na memória de Brian, até então embotada pelo choque, mostrará que Chris, que passa a ter problemas de aprendizagem, também estava a caminho de uma rejeição quando o crime ocorreu.

Não revelarei a solução do crime, mas, para mim, a violência maior está na forma com que aqueles “pais” egoisticamente dispuseram das vidas de crianças que deveriam amar incondicionalmente.

Os Hannigan nunca praticaram nenhuma violência física, mas muitas psicológicas. Ofereciam aprovação e “permissão para ficar” aos filhos que atendessem a seus altos padrões de exigências e descartavam sumariamente os reprovados. Não consigo pensar em nada mais violento que isso para o emocional de uma criança.

ADORO um vilão carismático! É o que Benedict Cumberbatch entrega como o Khan de “Além da Escuridão – Star Trek”.

Amei odiá-lo!

O ator manipula cada músculo de seu rosto para formar máscaras demoníacas em suas demonstrações de ódio controlado. Prestem muita atenção na cena em que ele descreve ao capitão Kirk (pobre Chris Pine perto de tal ator!) a razão de seu ódio: a câmera focalizando apenas seu rosto em primeiro plano… a maquiagem desenhando olheiras embaixo de seus olhos amarelecidos por algum efeito especial…

Mas é a forma com que ele vai transformando sua expressão, que passa vagarosamente da amargura ao ódio – os olhos e a boca formando diferentes desenhos no processo – é que me deixou hipnotizada.

Isso sem falar das nuances de sua voz, que – além de linda! – ele usa divinamente como recurso interpretativo. Os melhores atores, aliás, fazem isso.

Mas não pensem que descobri Benedict Cumberbatch só agora.

Sua expressão lasciva para a ninfeta que acabou abusada no início de “Desejo e Reparação” já havia me intrigado. Lembro-me de ter procurado por seu nome nos créditos do filme para saber quem era afinal aquele personagem secundário que, como Ralph Fiennes, sabia interpretar tão bem só com o olhar. Com a diferença de que, ao contrário de Fiennes, Cumberbatch nem é bonito (para o caso de me acusarem de estar me derretendo pelos motivos errados… rs).

Depois ele me enfeitiçou de vez como o Sherlock da série homônima da BBC, que adapta as aventuras de sir Arthur Conan Doyle para o presente (isso mesmo, Sherlock Holmes no século 21, colocando celular, laptop e tudo o mais que a tecnologia gestou a serviço de sua apurada inteligência e técnicas de dedução).

“Sherlock” me fez decidir ler os livros, que, sinceramente, gostei menos do que da série (vai desculpando aí Zé Eduardo!). Confesso que achei mais fascinante o brilho de Cumberbatch na pele do detetive, mesmo também tendo gostado de ver Robert Downey Jr. – outro com brilho próprio – interpretá-lo recentemente em dois ótimos longas.

A diferença é que Downey Jr. sempre coloca muito de sua personalidade em qualquer personagem que faz. Mas Cumberbatch se amalgama a eles, não nos deixando nenhuma pista de quem ele realmente é no meio daquela persona que constrói.

Nenhum dos personagens de Benedict Cumberbatch é igual a outro. Tentem assisti-lo, por exemplo, como um tímido e retraído aristocrata na série inglesa “Parade’s End”. Não lembra em nada o ególatra Sherlock ou o diabólico Khan, mas novamente é uma grande interpretação.

Ele também pode ser visto em muitas outras produções inglesas e anglo-americanas (aliás, o homem é um workaholic), como “Cavalo de Guerra“, “O Espião que sabia demais“, “Terceira Estrela“, etc, mas na maioria como coadjuvante. Algo me diz, porém, que seu grau de importância nas próximas produções vai mudar…

O filme

Ah sim… a propósito do filme que motivou este post, tenho a dizer que é MUITO BOM, não deixando nada a dever ao restante da série.

O diretor J. J. Abrams – como Christopher Nolan de “Batman“– tem um talento para orquestrar tramas bem escritas sem perder o ritmo e nem abrir mão do espetáculo visual. Sob sua direção até o insosso Chris Pine chega a ficar convincente, mas nada que chegue aos pés de seu oponente.

As piadas que  rendem a relação de Kirk com o vulcano Spock – ou o resto de sua tripulação – funcionam muito bem.

Enfim, é um entretenimento da melhor qualidade, mas, como aconteceu com “Batman” e seu Coringa, a atuação de seu vilão fica maior que o todo.

Pense no que pode ser mais impagável do que ver Jane Fonda, 73 anos, com uma farta cabeleira grisalha caindo sobre os ombros, metida em um figurino hippie psicodélico e regurgitando discursos do ideário da contracultura.

É como ela se materializa no filme “Paz, Amor e Muito Mais”, como se tivesse acabado de sair de uma máquina do tempo, direto da década de 70 para a Woodstock dos dias de hoje. Vamos combinar, é preciso ter uma grande personalidade para dar conta de um papel que flerta muito de perto com a caricatura e – dependendo da histrionice do ator – com o ridículo.

Mas Jane dá conta. Afinal, estamos falando da estrela de “Descalços no parque” e “Barbarela”, de “Amargo Regresso” e “Klute – O Passado Condena”, que rendeu a ela um Oscar, em 1972. Jane não foi uma atriz dessas que chamam bilheterias de arrasar quarteirões, mas escolheu sabiamente seus papeis e, na vida pessoal, conseguiu não ser ofuscada por maridos ególatras como o cineasta Roger Vadim ou o milionário Ted Turner.

Ainda viveu para confessar sem constrangimentos seus erros e acertos na biografia “Minha Vida Até Agora”. Sem mais nada para provar, ela agora parece estar se divertindo com a escolha de seus últimos filmes, como o francês “E se vivêssemos todos juntos” e este leve “Paz, Amor e Muito Mais”.

No filme, Jane é a mãe hippie da recalcada advogada Catherine Keener, que, após receber o pedido de divórcio do marido, resolve finalmente levar os filhos adolescentes para conhecer a avó. Elas não se vêem ou se falam há 20 anos e logo no primeiro encontro dá para entender porque. A filha certinha reprova o modo de vida liberal – e em um certo aspecto ilegal – da idosa, que ainda vive como se estivesse na Woodstock da década de 70.

Mas não espere profundidade ou um acerto de contas dramático verossímel. O filme resulta em um amontoado de romances superficiais, que se deixam assistir prazerosamente numa sessão da tarde chuvosa. A interpretação de Jane Fonda é MESMO o melhor do filme.

Cena de ‘O Som Ao Redor’: A classe média entrincheirada

O diretor Kleber Mendonça Filho não poderia ter sintetizado melhor o principal mote de “O Som ao Redor”, no bate-papo que se seguiu à aguardada primeira exibição de seu filme no Cinépolis Ribeirão, na noite de sábado (15/6). “Nenhum outro país tenta dividir tanto o público do privado como o Brasil”.

O retrato que ele faz do cotidiano de famílias que vivem em uma só rua de Recife é também o retrato de toda a classe média brasileira que habita as cidades, com sua profusão de muros, grades e portões. Barreiras construídas pelo homem para proteger e separar… para barrar a criminalidade, mas que abortam também o convívio, o contato e a troca com o outro.

Não por acaso a maior parte do filme se passa em espaços fechados… as janelas mostrando uma floresta de concreto, as famílias aprisionando seu lazer entre muros e se entrincheirando atrás das grades das janelas.

Apenas os sons não obedecem a tais barreiras, como o uivo do cachorro que invade a casa vizinha à noite, impedindo o sono da dona de casa que adora fumar maconha. “O som é mal educado… ele atravessa os muros sem ser convidado”, pontua Mendonça.

Mas o retrato traçado por “O Som ao Redor” tem muitas outras nuances. Como o ranço de coronelismo que ainda rege a ordem das coisas na rua, onde um certo latifundiário de nome Francisco, antigo proprietário da maioria dos imóveis da região, ainda espera ser consultado quando qualquer serviço novo é oferecido por ali.

Um desses serviços é o de guardas-noturno, que traz consigo outra nuance do retrato: a facilidade com que a classe média paga por qualquer nova sensação de segurança. E com ela, outro entrincheiramento e, paradoxalmente, uma brecha em sua privacidade – os guardas controlam seus cotidianos e horários; às vezes recebem as chaves de um vizinho que viaja a pretexto de que molhem suas plantas.

E no final, a derradeira ironia… os últimos sons que se ouve naquela vizinhança são dos mais “mal-educados” e prestam-se a uma – talvez duas – vingança. Mas o espectador sabe que é muito barulho por nada… pouco deve mudar neste retrato.

Tom Courtenay, Maggie Smith, Pauline Collins e Billy Connoly em ‘O Quarteto’

Primeira incursão pela direção do ator Dustin Hoffman, “O Quarteto” faz o espectador se perguntar por que o eterno “Rain Man” demorou tanto a se aventurar atrás das câmaras. A má notícia é que sua exibição ficará relegada a apenas um horário (22h) em dois dias da próxima semana (terça e quinta) em apenas uma sala do conjunto Cinemark, no Novo Shopping.

Adorável, o filme agradará especialmente a quem aprecia música, cinema e boas interpretações.

Desde a primeira cena ficam claros três aspectos da produção: é um filme de atores, reverente à música e modesto no melhor sentido.

Dá para perceber a generosidade com que Hoffman deixa o elenco brilhar em uma história simples, com produção de baixo orçamento e rodado em locação única – uma mansão inglesa transformada em retiro para músicos aposentados.

A história é ambientada na semana em que a instituição é agitada pelos preparativos da festa anual pelo Aniversário de Verdi – que arrecada a maior parte dos recursos para sua manutenção – e pela chegada de uma nova moradora. Logo descobrimos tratar-se uma ex-estrela da ópera (Maggie Smith, sempre poderosa!), a quem os demais hóspedes recebem com palmas e gritos de “bravo!”. Ao menos um deles, porém, não está nada feliz com sua chegada: o regente Reginald (Tom Courtenay), ex-marido que ainda nutre grande mágoa por ela.

Caberá à doce Cissy (Paulinne Collins) – que convive tão graciosamente quanto possível com os primeiros sintomas do Alzheimer – e ao incorrigível galanteador Wilf (Billy Connoly) atuarem como agentes dessa reconciliação.

Dustin Hoffman dirige Ó Quarteto’

Apesar de a idade média do elenco girar em torno dos 70 anos, “O Quarteto” foge ao perfil das últimas produções que enfocam a terceira idade por não colocar ênfase nas dificuldades e dramas desta fase da vida. Sim, as rugas, as bengalas apoiando os problemas físicos e um ou outro comentário sobre envelhecer estão lá, mas, não se enganem… Estamos diante é de um romance leve, temperado por pitadas do delicioso humor inglês e que parece ter simplesmente calhado de ter personagens idosos.

Hoffman parece dizer: “Sim, a vida continua na terceira idade e velhice não anula a capacidade de amar”.

Trilha sonora

A música chega a ser uma personagem à parte em “O Quarteto”. A maioria das cenas é embalada por trechos de óperas, cantadas ou tocadas ao piano.

Uma grata surpresa foi perceber, nos créditos finais, que muitos dos coadjuvantes e figurantes são grandes músicos na vida real. Enquanto sobem os letreiros, suas cenas no filme aparecem congeladas ao lado de suas fotos antigas, identificadas por seus nomes e carreiras no teatro ou em grandes orquestras. A premiada soprano Gwyneth Jones, por exemplo, interpreta uma concorrente de Maggie Smith no filme.

Como refletor das realidades de cada época, o cinema já detectou a necessidade de criar obras que dialoguem com – ou retratem – uma parcela da população que só cresce: a idosa. Entre a comédia romântica “Alguém Tem que Ceder” (2003) e o drama “Amor” (Oscar de Melhor Filme Estrangeiro de 2013), uma gama de títulos enfocando protagonistas da terceira idade vem sendo lançada em diferentes gêneros.

O francês “E Se Vivêssemos Todos Juntos” cabe em mais de um. Sob direção do semi-estreante Stéphane Robelin, o filme vai do drama à comédia em vários momentos e com uma suavidade a que só o cinema francês permite-se. A atuação convincente de medalhões como Jane Fonda – ainda linda nos seus 76 anos de idade – e Geraldine Chaplin contribuem muito para fortalecer uma história improvável.

Um grupo de amigos na faixa dos 70 anos começa a ter sua liberdade e autonomia ameaçadas, tanto por problemas de saúde como por parentes mais jovens. Um deles então sugere que todos morem juntos na mansão de um deles para apoiarem uns aos outros. A ideia é rechaçada no início, mas acatada por força de circunstâncias que não entregarei aqui.

Difícil no início, a convivência entre amigos com histórias de vida entrelaçadas e segredos compartilhados chega a render boas risadas. A mudança de um jovem mestrando para o casarão fornece ainda mais munição para o humor.

Robelin opta por não pesar a mão no drama. Afinal, seus idosos não precisam de nossa solidariedade. São bem resolvidos, modernos, classudos. Do que mais classificar um grupo que toma champanhe como lanche da tarde mesmo à cabeceira de uma paciente de câncer?