Categoria: COLABORAÇÕES

Textos de cronistas convidados do blog.

fev 19 2019

“Infiltrado na Klan”: inteligente, instigante, inspirador

por Luís Fernando Laranjeira     

Além da direção leve e sensível, ótimos diálogos, belíssima fotografia, tomadas que enaltecem cenários e personagens, uma trilha sonora que dá vontade de dançar, “Infiltrado na Klan” (BlackkKlanman, no original em inglês), do genial, polêmico, provocador Spike Lee, leva a algumas reflexões necessárias nestes tempos sombrios de recrudescimento de preconceitos, violência, intolerância, fanatismo, fundamentalismo cego, de proliferação de fake news.

Negro, Lee nos mostra que o racismo não se limita à questão da cor da pele, uma vez que os fascistas militantes da Ku Klux Klan também odeiam homossexuais, judeus e brancos que não pensam como eles.

O racismo sempre foi explícito nos EUA e vem sendo revelado claramente em nossas terras tropicais povoadas por seres miscigenados, onde já não se consegue mais disfarçar, sob uma hipócrita imagem de cordialidade, sua existência histórica. Sempre me perguntei como um país assumidamente racista pode querer se colocar na vanguarda da civilização, como os EUA, de modo arrogante, se colocam. O que há de desenvolvido ou vanguardista no racismo senão a vilania, a ignorância, o sentimento e a sensação de uma falsa superioridade, a incapacidade de aceitar as diferenças? Que sociedade desenvolvida é essa que mal consegue admitir a diversidade? Nesse ponto, Lee põe o dedo na ferida.

“Sempre me perguntei como um país assumidamente racista pode querer se colocar na vanguarda da civilização”

Inteligente, instigante, inspirador, “Infiltrado na Klan” retrata bem os “caipiras” e “jecas” do sul estadunidense que espelham o resto, ou grande parte, do país. Nova Iorque, por exemplo, tida por muitos como a capital do mundo civilizado, é uma cidade dividida em guetos de negros, latinos, judeus, italianos… O que é o Harlem se não o gueto negro da big apple?

Fundada em 1866, no Tennessee, a Ku Klux Klan tem como marca os roupões e capuzes brancos que escondem a identidade de seus membros. No final da década de 1880, chegou a perder força para voltar revigorada em meados do século XX, na Geórgia. A nova doutrina, de cunho nacionalista, pregava o ódio e tinha como alvos os negros, os imigrantes, os católicos, os judeus.

John David Washington é o policial Ron Stallworth no filme

“Infiltrado na Klan” é a história de Ron Stallworth (John David Washington), o primeiro policial negro de Colorado Springs, que propõe investigar a KKK infiltrando-se no grupo após receber como primeira missão no setor de inteligência da polícia: “arapongar” um discurso do ex-pantera negra e líder do movimento negro Stokely Carmichael, que adotou o nome de Kuame Ture em homenagem a líderes negros africanos, na Universidade local. Ture é tido pelo chefe da polícia não como um ativista pelos direitos dos negros, mas como um terrorista, assim como os integrantes do MST, MTST e outros movimentos sociais no nosso Brasil varonil dos tempos atuais. Na Universidade, Ron conhece Patrice (Laura Harrier), a presidenta do grêmio estudantil, por quem acaba se apaixonando. Autorizado a conduzir a investigação, Ron tem como parceiro o policial judeu Flip Zimmerman (Adam Driver), que o encarna quando ele é aceito na organização e passa a ser necessário o contato pessoal com os demais integrantes.

O filme começa fazendo referência ao clássico “E o Vento Levou”, de 1939, mostrando a sequência em que Scarlett O’Hara (Vivien Leigh), caminhando entre os corpos destroçados dos soldados sulistas derrotados pelos ianques na guerra civil americana (1861 a 1865), procura desesperadamente pelo Dr. Meade. Corte para o discurso do Dr. Kennebrew Beauregard (Alec Baldwin), tendo como pano de fundo cenas de “O Nascimento de uma Nação” (1915),dirigido por D. W. Griffith, que retrata negros (interpretados por atores brancos com os rostos pintados) sem inteligência e agressivos sexualmente com as mulheres brancas. A cena mostra Beauregard praguejando contra negros e judeus e defendendo a supremacia branca representada pelos protestantes. A fala dá a tônica do perfil ideológico da Ku Klux Klan, denominação que eles evitam, preferindo referir-se à milícia, (opa, ato falho) como a “organização”.

O discurso de ódio mal ensaiado, os diálogos perversos entre os “klansmen” e o gozo histérico dos que assistem ao já citado “O Nascimento de uma Nação”, após uma cerimônia da KKK, bem demonstram a pequenez e a pobreza de espírito, a carência de humanidade, a fraqueza e até mesmo o temor de, eventualmente, eles próprios se sentirem inferiores aos negros. Nesse sentido, a expressão aparvalhada de David Duke (Topher Grace), após ouvir em ligação telefônica a troça de Ron a respeito das diferenças de pronúncia entre negros e brancos, sobretudo quando fala que, além de ignorante e pedante, o líder da KKK tem pau pequeno, é bem ilustrativa.

Spike Lee dirige Topher Grace e Adam Drive

A caracterização do “fake Ron” é especialmente bem construída. Uma mistura da voz do Ron original negro com o corpo do judeu branco. Um mantém conversas telefônicas com a milícia (opa, de novo), quer dizer, com a organização, e o outro se apresenta pessoalmente nos encontros. O “fake Ron” é uma tremenda contradição, pois reúne um negro que tem consciência da opressão contra os negros, mas tem um espírito conciliador e acredita que pode fazer algo para mudar a situação; e um judeu branco que, como ele mesmo diz, não foi criado para ser judeu. “Jamais fui a um bar mitzvah, não tive um bar mitzvah”, afirma, para depois concluir que nunca deu importância aos rituais e à tradição. Isso depois de ter um revólver apontado para seu rosto por um dos mais violentos membros da KKK, que queria obrigá-lo a enfrentar um detector de mentiras e ver se ele era cincuncidado. No diálogo, Felix nega veementemente o holocausto (peço licença e perdão pelo parêntesis, mas não resisto a lembrar que no Brasil de hoje há quem, em postos chave no governo, negam com a mesma veemência e atribuem o aquecimento global a uma trama do marxismo cultural), e Flip diz que os massacres na Segunda Guerra Mundial foram necessários para a limpeza étnica e eliminação dos judeus. Uma cena tensa. Assim como tenso é o próprio argumento do filme. Mas Lee, com sensibilidade e leveza, conduziu a trama pouco explicitando essa tensão. São poucas as sequências explícitas de ação e violência, praticamente restritas aos diálogos. Esses, sim, carregados de violenta tensão. E de ironias também.

“São poucas as sequências explícitas de ação e violência, praticamente restritas aos diálogos. Esses, sim, carregados de violenta tensão. E de ironias também”

Por outro lado, iluminação delicada e a elaborada fotografia, assim como planos e enquadramentos de câmera, dão um tom poético à película. É o caso da cena em que Ron e Patrice caminham por uma trilha margeando um riacho. O cuidado com a iluminação, os ângulos para as tomadas realçam o brilho do sol e criam pontos de luz ao longo do trecho percorrido pelo casal. Linda cena.

Um primor também a música e a coreografia na sequência em que Ron e Patrice dançam em uma casa noturna após a palestra na Universidade, logo no início do filme. Spike Lee consegue com cenas como essas, a da caminhada, em alguns diálogos e situações, amenizar a tensão e a violência que norteiam a trama, provocando até risos.

Interessante destacar também que, paradoxalmente, o chefe de polícia branco fornece as condições para a investigação e até alerta um ingênuo detetive negro que a tática da milícia (ai, meu Deus, de novo), a tática da KKK é infiltrar sua gente na política, ocupar espaços e buscar o poder por meios institucionais (David Duke é hoje um congressista que apoia Donald Trump, por exemplo). Porém, sempre há um porém… Bem, assista ao filme para entender porque o espírito conciliador de Ron Stallworth não encontra tanto eco na realidade.

Enfim, Spike Lee consegue com “Infiltrado na Klan” nos brindar com um filme, ao mesmo tempo, questionador, que denuncia uma triste e cruel realidade, poético, chocante, contundente, que contribui para compreendermos um pouco mais o que se passa neste início de século XXI no Brasil e no mundo. O diretor, inclusive, inclui imagens reais de manifestações violentas que provocaram mortes nos EUA nos últimos anos. Uma obra que merece a estatueta.

 

 Luís Fernando Laranjeira é Jornalista, Mestre em Comunicação e Estudos de Linguagens, fotógrafo, editor e um curtidor da Sétima Arte.

 

fev 18 2019

‘O Primeiro Homem’: cara a cara com a Lua

por Elcio Thenorio

 Quiçá não, mas tudo indica que um dia teremos de extrapolar, exorbitar, sair da Terra para povoar outros mundos. Essa é uma ideia recorrente do imaginário da humanidade que perpassa autores de escolas tão distintas quanto as de Julio Verne e Isaac Asimov. E não sem razão: enquanto a população mundial cresce a assustadores 0,33% ao ano, projetando uma população de 9 bilhões de almas para 2050, a área do planeta segue imutável em seus escassos 510 milhões de quilômetros quadrados, aí inclusas as águas e as terras inabitáveis.

Nosso berço no cosmo é limitado e já dá claros sinais de que desse limite nos aproximamos a uma velocidade perigosa. Porém, as ameaças à permanência humana na Terra não vêm apenas da superpopulação, mas também da ignorância do homem, perfeitamente retratada na recente retirada de seus países do acordo de não-proliferação nuclear pelos presidentes dos Estados Unidos e da Rússia, duas potências armadas até os dentes. Talvez, quem sabe, nós mesmos diligentemente cuidemos de destruir nossa nave-mãe.

Diante desse quadro funesto, ou talvez movido apenas por sua ancestral e inescapável compulsão pela aventura – ou ambos – o ser humano trata de preparar suas opções de partida. Missão intrincada, que exige a exploração das fronteiras da tecnologia e do mais criativo engenho humano. Lançar-se no vácuo, cobrir distâncias astronômicas, singrar as solitárias vastidões desconhecidas do espaço é um dos maiores desafios já enfrentados pela espécie humana, que até aqui tem se saído relativamente bem. Mas a duras penas.

Para que chegássemos só até ali vidas se perderam, anos de empenho viraram pó em tentativas frustradas, somas incontáveis de dinheiro foram gastas para que discretos avanços fossem feitos. Da reunião desses esforços obtivemos até agora alguns resultados, dos quais dois se destacam: uma sonda não tripulada, a Voyager 1, ultrapassou os limites do Sistema Solar e hoje, a 17 bilhões de quilômetros do Sol, é o objeto mais distante já feito pelo homem. E seis missões Apollo, tripuladas, pousaram sobre a Lua.

“O Primeiro Homem” é a história da primeira delas que deu certo.

O filme acerta em mesclar as dificuldades técnicas enfrentadas por engenheiros e astronautas da NASA, a agência espacial norteamericana, com o drama pessoal vivido pelo comandante da Apollo 11, o primeiro homem a pisar na Lua, Neil Alden Armstrong. Escolhido dentre outros pilotos navais por sua calma diante de situações adversas, Armstrong lidava com a perda de uma filha enquanto seu nome era cogitado para ocupar o assento principal. E tudo se dava em meio a um frenesi, causado pela corrida espacial na qual levava vantagem a arquiinimiga União Soviética, que houvera sido a primeira a colocar em órbita tanto um artefato, o satélite Sputnik 1 (outubro de 1957), quanto o primeiro ser vivo, a cadela Laika, a bordo do Sputnik 2 (novembro de 1957) – e ainda o primeiro homem, Yuri Gagárin, a bordo da nave Vostok 1 (abril de 1961). (“A Terra é azul” disse ele).

Estamos em 1969 e, oito anos antes, o então presidente John Fitzgerald Kennedy proferira seu profético discurso “Vamos à Lua”, no qual praticamente prometera que os Estados Unidos realizariam tal proeza “nesta década”. Realizá-la antes dos anos 70 era, portanto, uma questão de honra nacional para os americanos. Mas a corrida contra o relógio cobrava seu preço: em janeiro de 1967, durante os testes do Programa Apollo, três astronautas morreram carbonizados com o foguete ainda no solo, quando um incêndio destruiu a cabine de comando.

Em meio à comoção causada por essa perda, Armstrong, obrigado pela mulher, tem de enfrentar a dura realidade de contar aos filhos que papai pode nunca mais voltar. É um momento pungente que faz refletir sobre a divisão psicológica pela qual devia estar passando aquele pai-herói. Mas este era um homem obstinado, que não recuaria diante do medo, da dor ou da perda. E eis que já é hora do embarque! Todos a bordo, desresce a contagem regressiva, ativam-se os gigantescos motores do Saturno V, foguete que leva na ponta o módulo Apollo, e cheia de combustível e esperança a imensa nave se eleva no ar…

Três dias de viagem claustrofóbica e tem início o processo de alunissagem: enquanto o módulo de comando circunda o satélite natural da Terra, o módulo lunar, chamado Eagle, desprende-se e desce à superfície. E então o primeiro drama: com apenas 2% de combustível restante, Armstrong ainda não encontra um terreno propício ao pouso, que só se dá nos derradeiros segundos antes da tragédia. “Houston, o Eagle pousou!”, diz. Abre-se a escotilha e estamos cara a cara com a Lua! É quando o comandante desce pela escada e, ao pisar no poeirento solo lunar, profere a frase histórica: “Um pequeno passo para o homem, um gigantesco salto para a humanidade”.

Pequeno passo… gigantesco salto… Tudo muito relativo quando se trata de viagens espaciais. Este feito fantástico cobriu a ínfima distância de um segundo-luz. Quase nada quando se sabe que a estrela mais próxima, Alpha Centauri, está a quatro anos-luz, ou trinta e oito trilhões de quilômetros, da Terra. Na velocidade atingida pela Apollo 11, de 8.300km/h a viagem até lá levaria mais de quinhentos e vinte mil anos. Mas, sendo o universo o mistério insondável que é, tudo é possível. Talvez se descubram formas de vencer esta lonjura com as quais hoje nem sonhamos. Afinal, o principal já foi feito: Armstrong deu o primeiro passo.

Elcio Thenorio é jornalista, concurseiro e um amigão

fev 17 2019

‘Bohemian Rhapsody’: filme de fã

por Silvia Pereira    

Um dos títulos concorrentes ao Oscar 2019 de Melhor Filme, “Bohemian Rhapsody” é, antes de tudo, um filme de fã. Uma cinebiografia “baba-ovo” total do grupo de rock inglês Queen. E digo isso “pagando pau”, porque… SIM!… estou entre os mais fervorosos fãs da banda que revolucionou o mercado fonográfico com a gravação, em 1975, do hit homônimo ao filme.

Ainda hoje me arrepia ouvir o vocal a capela que introduz “Bohemian Rhapsody” (“Is this the real life / Is this just fantasy…”). Igualzinho ao que senti na primeira vez que a vitrolinha verde de casa reproduziu os discos da banda, que minha irmã trouxe emprestados de um vizinho. Eu devia ter uns 9 anos de idade e, desde então, as músicas do Queen, com seus arranjos malucos e vocais grandiosos, vêm ocupando uma posição majoritária na trilha sonora da minha vida, fabricando e evocando memórias afetivas.

“Bohemian Rhapsody”, a música, tem 6 minutos (impensáveis para a época) de duração, solos de guitarra do rock, vocais operísticos, “trama de tragédia grega e a alegria descontrolada do teatro musical”, nas palavras do vocalista Freddie Mercury, sobre quem a cinebiografia, de fato, se detém.

Mas este clássico maior – longe de ser o único do Queen – não é a única justificativa para o filme de Bryan Singer compartilhar seu título. “Rapsódia” era como os gregos antigos chamavam trechos de poemas épicos e hoje define um tipo de composição musical que tem a mistura de ritmos e temas como principal característica. Épico é um adjetivo que se ajusta perfeitamente ao estilo megalômeno de criação, de Mercury em particular, e de todos os Queen em algum grau. E mistura… bem… quem conhece o som sabe como isso tem tudo a ver com os caras. Já “boemia”, no sentido clássico do termo, foi o estilo de vida ao qual Mercury entregou-se de cabeça, segundo o filme tentando anestesiar-se da paradoxal solidão da fama.

Rami Malek como o vocalista Freddie Mercury, sobre quem a cinebiografia, de fato, se detém

A primeira cena já entrega que ele será o foco principal da narrativa. O olhar de Rami Malek, assustadoramente parecido com o do músico, ocupa a tela toda. A câmera vai abrindo e passa a segui-lo até ele se materializar nos bastidores do show que, saberemos mais tarde, será um marco na história do grupo.

Daí em diante a narrativa segue uma ordem cronológica, que começa quando Mercury, Brian May (o guitarrista) e Roger Taylor (baterista) se conhecem – o baixista John Deacon foi o último a subir a bordo. O som de fundo dessa overture é a também fodástica “Somebody To Love”, do disco “A Day At The Races” (1976).

O recorte temporal segue até o tal show para o qual Mercury se prepara nas primeiras cenas. Entre um e outro estão as histórias de seu primeiro e grande amor (hétero), o processo de criação de “Bohemian Rhapsody” (os fãs vão babar), as desavenças entre os membros do grupo e os excessos que levaram o vocalista ao diagnóstico de Aids em um tempo anterior ao coquetel medicamentoso que hoje prolonga a sobrevida dos soropositivos.

Ben Hardy, Gwylin Lee, Joseph Mazello e Rami Malek são Roger Taylor, Bryan May, John Deacon e Freddie Mercury no filme: caracterizações perfeitas

Feitos todos os descontos aos resumos inevitáveis – afinal é preciso fazer caber mais de 20 anos em 2h15 de filme -, Bryan Singer saiu-se muito bem na costura da “colcha de retalhos” formada pelas histórias da história de Freddie Mercury e o Queen. Embora o foco mantenha-se o tempo todo no vocalista, as cenas dão conta de destacar, usando detalhes, as principais características de cada integrante: Taylor é o esquentadinho namorador, May o virtuoso disciplinado e Deacon o quieto conciliador. Todos abertos ao experimentalismo e à ousadia, musical e midiática.

O humor é inglês (adoro!). E como em um autêntico filme de fã, a romantização é a tônica. Por isso a narrativa apenas sobrevoa o lado controverso da personalidade de Mercury – os excessos com álcool, sexo e drogas são sutilmente citados, embora muito bem entendidos – e um pouco de equilíbrio se perde nessa simplificação. O que se sobressai é a grandeza do legado musical de Mercury, o que é legítimo, mas eleva-o a uma dimensão menos humana. E o barato de biografias é justamente humanizar os ídolos, mostrando-os com todos os seus defeitos e qualidades. Aqui o fã é levado a relevá-los.

A  atuação de Rami Malek, vencedor do Oscar de Melhor Ator pelo papel (também levou o Globo de Ouro), é muitíssimo convincente. Mas todos os atores estão impressionantemente parecidos com os músicos que interpretam. Fizeram direitinho o dever de casa, imitando trejeitos, modo de falar, tocar, movimentar-se no palco…

E a trilha sonora… ah, a trilha sonora!!! É Queen, né?! Ame ou odeie, indiferente  não é possível ficar. Faz o fã sair do cinema direto para o local mais próximo onde possa ouvir os sucessos preferidos da banda no último volume.

Aliás, é o que vou fazer em 3, 2…

fev 16 2019

Morre Uma Estrela

por Cleido Vasconcelos

Antes de mais nada, seria de bom tom de minha parte avisar que eu sou super a favor da pirataria. Acredito que é através dela que derrubaremos a hegemonia midiática, tanto baixando músicas e filmes de grátis, quanto produzindo e postando em plataformas digitais, músicas e filmes. Com isso, a industria cultural cairá na real e passará a fornecer conteúdo, se nao de graça (patrocinado), pelo menos por um preço bem acessivel. Preço este que vai fazer com que eu tenha preguiça de baixar filme, procurar legenda, ver se tá sincronizada e resolva assistir por streaming. A conclusão de tudo isso será que as estrelas morrerão enquanto star system tradicional de hollywood. Nada mais de fazer um filme por ano e ficar coçando e gastando os zilhões de dolares que ganhou com ele. Morre uma estrela e nasce uma atriz do proletariado. Aquela com carteira assinada com contrato CLT e longe de sonhar com algum tipo de aposentadoria antes dos 120 anos de botox, preenchimentos e pilates.

Posto tudo isso neste prólogo, seria mais de bom tom ainda dizer, de minha parte, que eu paguei R$18,90 para assistir este filme pelo serviço de streaming do iTunes. Sim, sim, eu sou uma dessas pessoas que baixavam filme enlouquecidamente, mas que parou bastante com isso pq tem mais preguiça de procurar uma legenda que funcione e uma cópia digna de qualidade, do que de pagar o streaming. Se bem que 18, 90 eu acho muuuito caro e, por incrível que pareça, isso pode ter ajudado a influenciar no resultado final do que eu achei sobre este filme.

Já teve quatro versões de Nasce uma Estrela, eu procurei lá no google, eu só vi a da década de 1970 com a Barbra Streisand e essa agora. Confesso, não sou muito fã de musicais. Quando é um musical igual a este em que a pessoa é uma cantora e só canta nas horas que ela está cantando eu ainda dou conta. Mas aqueles em que alguém tá almoçando e diz, Me passa a salada? E o outro responde, A salada? E já sai cantando e sobe em cima da mesa e os garçons dançam sincronizados, eu tenho muuuuuuuuita dificuldade em dar conta. A exceção desta minha regra fica com Sweeney Todd do Tim Burton, Hair do Milos Forman, Moulin Rouge do Braz Luhrman e The Wall do Alan Parker.

“E a Lady Gaga vcs sabem né? Ela é foda! Mais do que isso, ela é fodástica”

Eu me lembro que eu meio que gostei da versão da Barbra de 1976, apesar de estar no apogeu de minha juventude pré-universitária roquenrol alternativo pink floyd psicodelico progressivo futurista e músicas da Barbra Streisand nao ser lá o que uma pessoa como eu era naquela época gostar de ouvir. Então, nunca me empolguei muito com os nascimentos das estrelas no interior das Nebulosas.

Mesmo assim, resolvi assistir esta nova versão por três motivos. Primeiro que falaram muito bem dela. Segundo pq minha filha insistiu muito e passou as férias inteiras querendo que eu assistisse pagando o streaming da apple tv. E finalmente e o mais importante, pq tinha a Lady Gaga. E a Lady Gaga vcs sabem né? Ela é foda! Mais do que isso, ela é fodástica. Admiro a estratégia dela de começar cantando com vestidos feitos de carne fresca e outras exotices e terminar (por enquanto) gravando um disco com o Tony Benett só com standards do cancioneiro norte americano e arrasar e mostrar pra todos a puta voz que ela tem e a cantora que ela é. Então la fui eu ver o filme, com o pequeno agravante de ter pago 18,90 e isso me deixar meio q desconfortável e intolerante para aquilo que eu nao tolero.

Gostei muito do começo do filme, intimista, a maneira com eles se conhecem, a boate e a homenagem ao fiel público drag da lady. Chorei com ela cantando La Vie en Rose, chorei quando ele chama ela ao palco. Mas depois, a fonte secou. Achei o filme beeeeem comprido. E acho q ele tem uma barriga fenomenal no meio que faz vc pensar de tempos em tempos em que hora que o carinha lá vai conversar com o Kurt Cobain. Outra coisa que ajudou bastante e eu ja tinha avisado vcs no inicio deste texto, é que eu não suporto muito estas canções norte-americanas que são feitas pra ganhar o oscar de melhor canção e ganham quando não tem algum desenho da disney no páreo. Eu não gosto do jeito que a Lady Gaga canta no filme, das canções. Aquilo nao me emociona. Gosto mais das músicas do começo que o ensebadinho (alguém podia passar um pó compacto naquele moço roqueiro please?) canta. Não sei, nao sei se foi os 18,90, mas nao shipei o casal. Entendo até que o moço se beber nao case é bonito e precisava dar uma estragadinha no visual dele pra ficar mais outsider roquenroll. Entendo também que é o mesmo filme de sempre de hollywood para ganhar oscar que quando ganha a gente diz, Ah, é filme de oscar, por isso ganhou! Entendo tb que é um filme que arrebatou milhões de gente e de dinheiro e que, por isso, é um excelente produto da industria a que pertence. Mais entendo ainda que é uma história que, a essa altura do campeonato, já é arquetípica e que essa versão nada mais é que the same old story atualizada para as gerações atuais (reparem por exemplo que, agora, o nascimento de uma cantora também envolve coreografia intensa com as bailarinas de palco). O final é bonito pois ele consegue evitar a overdose de melação post mortem que se costuma derramar nos filmes deste estilo de hollywood. O close no rosto dela suave e triste conseguiu recuperar, pra mim, uns quatro pontos na escala Cimino’s Portal do Paraíso de flopagem de películas.

Mesmo assim, não consigo ver um acréscimo que este filme possa ter feito às outras versões da mesma história. Mas aí eu me pergunto, Existe realmente a necessidade, em um filme, de se acrescentar algo na história do cinema? Um filme não pode ser apenas entretenimento? E eu respondo, Sim, um filme pode ser apenas um filme. E digo mais, sempre que eu começo a pensar nisso é pq o filme realmente não me arrebatou. Pois, lembre-se, eu não gosto de musicais, não gosto destas musicas que se cantam em duplas estilo jane e herondy e eu ainda paguei pra ver este aqui. Assisti completamente contaminado pelos meus proprios juízos de gosto e preconceitos. Portanto, pessoas queridas, o problema de eu ter achado tudo meio que meia boca inteira, com certeza, é meu e não do filme.


Cleido Vasconcelos é artista visual, performer, professor e cinéfilo

http://cleidologoexisto.com/category/cleidonetflix

www.facebook.com/cleidonetflix/

fev 15 2019

‘Vice’ vale cada indicação

por Thiago Roque     

O diretor Adam McKay colecionou elogios com “A Grande Aposta”, filme que destila sarcasmo e referências pop para explicar como os Estados Unidos quebraram financeiramente em 2008. Entre explicações sobre o quase incompreensível mercado norte-americano e definições econômicas criadas para serem inteligíveis, um elenco pra lá de competente mostrava como o cinismo, a ganância e o imediatismo criaram uma crise sem precedentes na terra do Tio Sam

Bom, “Vice” repete e melhora a fórmula na maneira de apresentar os fatos – agora, sobre a história e as histórias que cercam Dick Cheney, famoso político republicano que foi vice-presidente no governo George W. Bush (2001-2009).

Primeiro, os cortes de cena e as referências explicativas surgem mais equilibrados, com mais timing e menos exagero cinematográfico – tem uma cena com os protagonistas num jogral shakespeariano que é prova viva disso.

Segundo, o elenco à disposição entrega atuações pra lá de convincentes – Christian Bale arrasa em todas as fases de Dick; Amy Adams também faz por merecer cada elogio na pele de Lynne Cheney; e Sam Rockwell entrega um Bush-filho caricato e tão imbecil que é impossível não se divertir.

Christian Bale arrasa em todas as fases de Dick

Não à toa, os três estão indicados ao Oscar – Bale como Melhor Ator, Adams como Melhor Atriz Coadjuvante e Rockwell como Melhor Ator Coadjuvante. O estilo de McKay trouxe as indicações para Melhor Filme, Diretor, Roteiro Original e Edição. De quebra, o longa completa suas oito chances da estatueta dourada com Melhor Maquiagem e Penteado – igualmente merecido, aliás.

Ah, é verdade, quase me esqueci: “Vice” vale cada indicação.
Muito por trazer à tona os mandos e desmandos de um vice-presidente que, nos bastidores, se recusou a ser um mero espectador da política norte-americana. E o fez por causa de sua trajetória: um jovem problemático, beberrão, que estagiou com figuras mais folclóricas do que competentes no Congresso dos Estados Unidos e foi, pela lealdade, se mantendo nas entranhas do poder em busca de uma redenção que nunca mereceu. Deixou como legado um gabinete pautado pela falta de transparência, a atuação pós-ataques do 11/9, a desnecessária Guerra do Iraque e, acredite, a gênese do Estado Islâmico.

Não bastasse todo esse menu político como espinha dorsal, Christian Bale coloca a película em outro patamar cinematográfico falando pouco e sendo muito. Conforme vai perdendo cabelo e ganhando (muito!) peso, distribui um sem-número de poses, sorrisos e trejeitos que parecem ter sido forjados com o personagem – ao ponto de, numa cena, um diálogo de Cheney com a mulher é feito durante a escovação dos dentes! E o único discurso mais longo do personagem é um mea-culpa ao avesso no melhor estilo “House of Cards”, mas já no final da fita.

“não é um filme fácil, de humor sandleriano e que vai entregar
a você uma biografia completa e mastigada do político republicano”

E ao mesmo tempo em que humaniza o político impopular (aqui, entram as cenas com a filha Mary), Bale mostra o motivo de Cheney ser uma pessoa tão criticada e tão pouco querida pela sociedade. E acredite: nada sobrevive à necessidade de ser relevante – nem mesmo o próprio Dick Cheney. Qualquer chance de torcer pelo político é encerrada logo depois de você pensar em simpatizar com ele, fique tranquilo(a).

Mas não se engane: “Vice” não é um filme fácil, de humor sandleriano e que vai entregar a você uma biografia completa e mastigada do político republicano – e isso pode jogar contra o sucesso do longa. Prepare-se para receber recortes da história de Dick Cheney – logo no começo, o diretor avisa que ele o elenco fizeram o melhor possível.

Talvez o suficiente para você clamar pelo “Volta, Temer”.

 

Thiago Roque é jornalista, cinéfilo e dono de um humor “ogro” engraçadíssimo!

fev 14 2019

‘Poderia me perdoar’ rende assunto

por Márcia Intrabartollo

Seja precavido, recomende a seus amigos que assistam “Poderia Me Perdoar?”… e assista você também. Isso pode salvá-los. No dia que em que estiverem juntos e o assunto começar a faltar, essa dica do Palavreira será valiosa.

É que o filme que tem indicações em três categorias do Oscar 2019 – Melhor Atriz, Melhor Ator Coadjuvante e Melhor Roteiro Adaptado – é um dos favoritos no quesito “rende assunto”.

O roteiro é a adaptação do livro homônimo sobre a escritora Lee Israel, famosa das décadas de 80 e 90 que, em um revés da vida, virou sua casaca para o legalmente incorreto e passou a vender supostas cartas de celebridades a colecionadores.

O filme perpassa, então, temas diversos: ética, mercado de trabalho na meia idade, os impactos desesperadores da perda do poder aquisitivo, solidão, bloqueios criativos, relações de afeto com animais, simbioses nas amizades, busca de reconhecimento, perdão, recomeços…

A atriz Melissa MacCarthy, que interpretou a protagonista, surpreendeu com sua atuação dramática, sendo comediante. Teve a seu favor uma direção e roteiro que conseguiram fazer com que a anti-heroína conquistasse o público, e também o ator Richard E. Grant, que encarnou muito bem Jack, o amigo meio oportunista da escritora, e pode sim emplacar como Melhor Ator Coadjuvante.

A ironia da indicação está em Melissa MacCarthy brigar pela Oscar de Melhor Atriz ao mesmo tempo em que corre o risco de ser escolhida como a Pior Atriz por sua atuação em Crimes em Happytime. Isso mesmo. O prêmio humorístico Framboesa de Ouro, aquele que faz paródia com o Oscar e celebra os piores filmes e performances do ano, dará a Melissa essa chance, amargura, publicidade ou piada pronta. Se for eleita nos dois prêmios, igualará Sandra Bulock, que conseguiu tal feito em 2010.

A vida se imbricou com a arte e a embelezou ainda mais, relativizando o que é ser bom profissional, misturando comédia e drama, mostrando-se como é, com altos e baixos… é a vida imitando a arte ou a arte imitando a vida?

Opino que o filme Poderia me Perdoar? surpreende pelo enredo e atuações, mas se leva um tantinho arrastado, e em algum momento parece perder o timming. No entanto, eu consegui sentir o cheiro do apartamento sujo de Lee Israel e até poderia ter limpado de minhas mãos a poeira dos papéis velhos.

Se para mim, acima de tudo, um filme vale a pena se faz pensar, qualquer outro deslize, eu posso perdoar.

 

Márcia Intrabartollo é jornalista, aprendiz de escritora, peregrina mundo afora e amiga querida

fev 13 2019

‘Green Book’, o filme

por Évanes Pache.    

Fiz questão de ir para o cinema virgem de opiniões, com a mente livre de adjetivos. Escolhi o filme sem ler a sinopse e sem saber exatamente do que se tratava. Nas primeiras cenas pensei: 

“Putz, mais um personagem machista, racista, mal educado com aquele olhar obsoleto que, pra mim, não cabe mais no mundo”.

Foi se descortinando um roteiro clássico de Hollywood e eu já estava quase me arrependendo de estar ali.  

“Green Book” conta um pouco sobre a vida do pianista Donald Shirley e mostra, com uma história real que ocorre nos anos 1960, que é possível transformar padrões e formas de atuar no mundo.

Ao longo do filme, e da jornada do herói vivida pelo personagem Tony Vallelonga (Viggo Mortensen), experimentei momentos de tensão, de compaixão, de empatia, que me levaram à gargalhadas e também, às lágrimas. O diretor e roteirista americano, Peter Farrely, compôs climas emocionais com pontos de virada que me levaram a uma entrega à história.

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“Green Book” cativa e ativa a memória sobre alguns modos de desumanização ainda atuais. Traz a caricatura das ruas quando propõe um personagem principal que despreza qualquer delicadeza, que conhece apenas o cenário onde as relações são espaços para exercitar um universo interno rude, estúpido e deselegante. 

Falo isso porque acho importante assumir todo o meu preconceito e intolerância sobre os preconceituosos e intolerantes. Me exercito muito para não deixar isso me tomar, mas a verdade é que ainda me toma.

Gosto de pensar que podemos ser tragados pela gentileza com doçura e firmeza ao mesmo tempo. No filme, essa forma pessoal de pensar e desejar a vida se realiza. Tudo de um jeito sutil e envolvente. As emoções do espectador são conduzidas de um jeito fino e doce. 

“Green Book” fala sobre criar vínculos, sobre parceria, de real interesse e sobre se importar de verdade com o outro. Fala de uma amizade que se constrói de forma autêntica e com uma afetividade desinteressada. Isso tudo de maneira delicada e divertida, sem cair em clichês panfletários. 

O filme não tem parafernálias técnicas. O que me encantou foi a maneira gentil de mostrar um recorte dolorido da vida de Donald Shirley e a beleza de ser humano.

 

Évanes Pache é jornalista, especialista em Transformação de Conflitos e Estudos de Paz e palavreira sensível

fev 12 2019

Extravagância e sensibilidade

por José Eduardo Gomes de Carvalho      


O filme mais ambicioso do grego Yorgos Lánthimos, ou, ao menos, o destinado a chegar a um público mais amplo, é um antigo projeto sobre a rainha Anne Stuart, sob cujo reinado Inglaterra e Escócia se unem depois de um transformador período para que possa nascer a atual Grã-Bretanha, com todas suas mazelas. A época de “A Favorita” não podia ser mais turbulenta, incluindo uma guerra secular com a França, tema secundário durante a trama. O que o espectador precisa ter em consideração, porém, é que o próprio Lánthimos relativizou a precisão histórica em suas entrevistas sobre a produção. Não é uma aula de história e, sim, um panorama humano sobre os costumes de uma época.

“Não é uma aula de história e, sim, um panorama humano sobre os costumes de uma época”

A britânica Olivia Colman personaliza Anne, uma mulher de saúde frágil, que comandava o país a partir de seus aposentos reais, onde recebia, com os devidos filtros de seus interlocutores, informações sobre o conflito contra os franceses. Uma íntima amiga e confidente da rainha, Sarah Churchill, é o termômetro do exercício de poder e quem, desde sua capacidade para cooptar a monarca utilizando seus diversos dotes, mexe com as estruturas da corte. A personagem é encarada por Rachel Weisz em uma de suas mais brilhantes interpretações, o que não surpreende. Mas há um terceiro vértice do triângulo palaciano exclusivamente feminino, protagonizado por Abigail Masham, prima distante de Sarah, que sabe perfeitamente como escalar com solidez a pirâmide social. É interpretada por Emma Stone, enquadrada com soberba fluidez na trama, do alto de um perfeito sotaque britânico. A frugal atriz, que já se vestiu de namoradinha da América em várias ocasiões, enfim cumpriu um pós-doutorado.

 

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A força de poder na Grã-Bretanha de então emanava das mulheres, um aparente anacronismo histórico que ajusta com mais precisão a lenda de que o poder feminino era uma ilusão nos tempos aristocráticos. As mulheres sabiam e podiam mandar. Tal realidade surpreendeu o próprio Lánthimos ao esmiuçar a história curta e intensa de Anne e de suas lugares-tenentes. O trabalho do diretor foi estruturar o enredo para que se centrasse na vida pessoal – e nos métodos – dessas três mulheres no centro de decisões da monarquia. O diretor grego admitiu que não ampliou sua precisão histórica para se concentrar no espaço entre o mental e o físico onde se escondem os principais segredos de alcova de uma corte em tempos agitados, o que resultou em uma obra sobre as relações entre poder e convivência, entre ambição política e afeto.

Loucos paradoxos

A rivalidade entra Sarah e Abigail não tarda em surgir, como ponta de lança da trama para que uma delas ocupe o posto de favorita da rainha, cada uma a sua maneira. O resultado é um paradoxo que alterna o sutil e o contundente para revelar três majestosas interpretações, em torno de marcantes relacionamentos humanos que jogam com amor e poder em um insólito universo de domínio feminino para a época. Para tanto, o diretor grego não hesitou em carregar no latente clima de homossexualidade que permeia o filme, para ressaltar o relacionamento humano em si, ainda que tenha cometido outra imprudência histórica – os estudiosos do período não são suficientemente convictos de que Anne Stuart se tratasse de uma homossexual.

“O resultado é um paradoxo que alterna o sutil e o contundente para revelar três majestosas interpretações”

O encontro interpretativo das três atrizes revela interessantíssimos confrontos, de onde brota esse espaço íntimo no qual se jogam importantes questões no aspecto pessoal de uma época tão estudada no nível das consequências histórico-sociais, mas pouco esmiuçada nas questões ligadas às relações humanas. Ou seja, ao mesmo tempo em que se manejava o destino de um país, as favoritas montavam um incendiário duelo emocional em torno da rainha, alternando o sublime e o perverso, o vale-tudo descarado e a sutileza das pequenas armadilhas emocionais da nobreza. Tudo isso em um período, o século 18, no qual as cortes europeias viam como a sexualidade – e em alguns casos a promiscuidade – era um componente nevrálgico das relações palacianas em torno ao poder político e aos mecanismos de expansão das nações.

O diretor exagera bastante nas tomadas com grande angular e no contra plongée, além de abusar da espetacular trilha sonora como apoio ao suspense ou à tensão em determinados momentos argumentativos. É claro que Bach e Schubert caem com perfeição no ambiente palaciano, mas há uma certa overdose sonora no balanço final (que ninguém se espante, inclusive, com “Skyline Pigeon”, de Elton John, nos letreiros de encerramento – é só mais um anacronismo).

O fato é que, por dominar plenamente o ofício, Lanthimos passa um pouco da linha em seus excessos com a câmera, utilizando técnicas de publicidade, um ambiente que profissionalmente conhece bem, e de peças musicais, algo ligado à sua formação no mundo do espetáculo, que inclui uma participação importante na montagem do show de abertura na Olimpíada de Atenas/2004. São virtudes que o recomendam, nunca desabonam, mas que deixam o filme por momentos um pouco espesso, elevando além da conta a sensação térmica de extravagância em determinadas cenas. O principal, porém, a obra conseguiu: retratar o caudaloso ambiente palaciano da chamada “Inglaterra profunda” com transparência e sensibilidade, sem abrir mão de matizes de crueldade, ironia e tragédia. Aliás, esse foi o segundo maior mérito de Lánthimos – o primeiro, obviamente, foi reunir três atrizes excepcionais.

 

José Eduardo Gomes de Carvalho é jornalista, cinéfilo, corintiano roxo e amigo para todas as horas

nov 04 2018

Fui ali ser feliz…

Saiu.

Foi assim, sem aviso ou despedida, que ela não mais voltou.

Antes, havia revelado para poucos que estava muito doente. Sofria de ódio. Disse que era uma dor infame que lhe aplacava todos os dias e que não sabia se começava nela ou se era algo que vinha no ar.

Na memória vinham cenas de momentos em que havia se sentido depreciada e diminuída, excluída e desamparada. Disse que essa dor foi, e é, terrível e que gerava nela algumas reações (não era bonito).

Contou ainda outros episódios em que suspeita onde pode ter ocorrido a contaminação. Mensagens. Foram muitas mensagens e posts.

Às vezes, contou ela, “podia perceber algo diferente em meu corpo ao ler. Meus olhos abriam mais do que o necessário, sentia um aperto no peito e o estômago ardendo. Travava os dentes e notava as narinas com abas mais abertas.”

Mas achou que não era nada. Com o tempo foi perdendo alguns movimentos. Ir e vir já não era tão fácil. Se sentia um tanto acuada. A voz começou a se tornar mais fraca. A garganta doía, a cabeça pesava e seu grito ficou mudo.

Perdeu coisas, como pessoas que chamava de amigos. Outras que chamava, parentes. Gente que não se importou com as dores que lhe causavam.

Confusa, não sabia se o que sentia vinha de fora ou de dentro. No primeiro momento, estava certa de que a contaminação havia lhe tomado inadvertidamente. Ela se sabia saudável e tinha todos os exames em dia.

Ingênua, não havia notado que o vírus do ódio é algo que vem programado em todos e que é sistêmico. Atinge fortemente, nesse momento, todo o país, quiçá o planeta, e faz parte de uma faceta humana.

Depois de algum tempo, ela se deu conta de que a doença que tomava como sua já era uma epidemia e os jornais falavam sobre vários casos de morte. Todos os dias as notícias traziam situações de ataques e contaminações.

A dor foi se ampliando e, aos poucos, se tornando insuportável.

Num domingo de sol, já torpe e surda, veio a decisão inadiável. Rompeu com os grilhões do medo de não fazer parte do sistema e saiu.

Determinada, decretou: Vou ser feliz!

P.S. 1: Pensou em si mesma. No entanto, a decisão agravou os sintomas de alguns. Episódios de inveja aguda foram relatados ao ouvirem-na cantar suas raízes: “Quem é que sobe a ladeira, do curuzu? […] Não me pegue não, não, não / Me deixe à vontade / Não me pegue não, não, não / Me deixe à vontade / Deixe eu curtir o Ilê / O charme da liberdade / Como é que é? / Deixe eu curtir o Ilê / O charme da liberdade.”

P.S. 2: Terminou dizendo: “Fui. Beijo, me liga”.

 

 

Évanes Pache é jornalista e especialista em Transformação de Conflitos e Estudos de Paz

 

Crônica da seção Palavreiros, do blog, que traz colaborações de convidados com temas livres. O convite é extensivo a todos que gostam de “palavrear” a vida na forma escrita.

set 11 2018

Quem são eles?

Em algum momento, lá onde as tribos nômades começaram as batalhas por territórios, aprendemos um conceito equivocado que até hoje guia a humanidade. Nós OU eles. E nós somos sempre os bons, nós somos sempre os certos, nós somos os melhores e mais bem intencionados. Nós somos os escolhidos que sabem o caminho melhor do que os outros.

Bad news!

Assim como não existe jogar o lixo fora porque não existe fora desse planeta, não existem eles.

Eles todos somos nós. E todos nós temos as mesmas necessidades de pertencimento, de amor, de compreensão, carinho, de conexão.

Todos nós temos necessidade de nos sentirmos respeitados.

O mundo está em convulsão. Terremotos, manifestações de indignação e revolta, tempestades, inundações, vulcões acordando… e um clima extremamente tenso no ar.

Isso acontece no panorama externo para que tenhamos atenção ao interno. A violência interna (e tudo o mais que estiver guardado em nós) gera a violência externa. Quando nos alimentamos de cenas, palavras e pensamentos violentos criamos essa atmosfera. Isso é lei, uma lei hermética chamada ressonância.

Não importa se acreditamos ou não. Lei é lei. Como a lei da gravidade, não vemos e, para que ela aconteça, não precisa acreditar. O que está em cima está embaixo, assim como o que está dentro está fora.

Como disse uma amiga (Andrea Honaiser) hoje em seu post, “tem horas que, se não existe nada de bom a acrescentar, melhor calar”.

Nesses tempos acirrados entre o bem e o mal, entre bandidos e mocinhos, vejo a exaltação da violência feita sem a menor responsabilidade nas redes sociais. Conhecidos, amigos, parentes, que antes não verbalizavam suas posições extremas se regozijam ao rivalizar com outras pessoas, muitas vezes, apenas para destilar ódio e vingança. Têm um prazer em inferiorizar o outro, em apontar as falhas, diminuir, em se colocarem como os certos da história seja ela qual for.

Bad news! Não existem “eles”.

“Eles” todos somos nós.

 

Évanes Pache é jornalista e especialista em Transformação de Conflitos e Estudos de Paz

 

Crônica da seção Palavreiros, do blog, que traz colaborações de convidados com temas livres. O convite é extensivo a todos que gostam de “palavrear” a vida na forma escrita.