Categoria: CINÉLIDE

Quão lindo pode ser um amor maduro? Sem promessas de felicidade cor-de-rosa, mas, ainda assim, um cobertor quente e macio dentro de uma casa velha chacoalhada por uma tempestade… É como os charmosíssimos Diane Lane e Richard Gere (ai, ai…) nos fazem crer no amor, mesmo em um filme-clichê como “Noites de Tormenta” (Nights in Rodhante, 2008), passado no litoral da Carolina do Norte, à época da passagem de um furacão.

Vamos combinar, não é uma grande história. Se você colocá-la ao lado dos demais romances de Nicholas Sparks – o autor romântico mais filmado da atualidade (vide “Uma Carta de Amor”, “Um Amor para Recordar”, “Diário de uma Paixão”, “Querido John”, “A Última Música”, todos calculadamente açucarados) -, vai perceber que segue a mesma fórmula das outras, apenas com nomes e idades diferentes para os personagens: sempre um homem e uma mulher que, depois de se apaixonarem idilicamente, são separados por um drama que, ou envolve renúncia ou morte.

A diferença em “Noites de Tormenta” é como um par de atores maduros consegue conferir veracidade, dignidade e charme irresistíveis a esta história-coringa. Você só quer mandar seus pudores intelectuais às favas, enrolar-se em um edredom no sofá da sala e render-se ao clima, de preferência levemente embebedada por duas taças de vinho frisante. E se São Pedro ainda manda uma chuvinha para tamborilar na sua janela, hummmm…

Ao fim da sessão de choro catártico, só resta redimir-se em 1.500 toques de um texto de blog em que você explica porque, de vez em quando, precisa render-se a um romance-fórmula: porque é tudo de bom!

Há filmes de que gosto sobre os quais não escrevo simplesmente porque não consigo traduzir em palavras os motivos para terem me comovido. Alguns dos piores posts deste blog, aliás, são resultados de tentativas desastrosas de vencer esta limitação da palavra diante dos sentimentos que certas histórias despertam.
Mas não aprendo e lá vou eu de novo tentar justificar porque me enterneceu assistir ao romance adolescente “A Arte da Conquista”, de Gavin Wiessen.

Uma hipótese pode ser a presença no elenco de um Freddie Highmore deixando a infância, com a voz ainda rouca, em plena revolução hormonal da adolescência. O atorzinho de “Em Busca da Terra do Nunca” e “O Som do Coração” (na cena à esquerda) sempre me comoveu em todos os filmes em que o assisti, não só pelo talento. Ele passa uma vulnerabilidade e uma verdade nos olhos que nos subjuga e cativa sem a menor chance de defesa.

Pode ter colaborado também o apelo infalível do personagem deslocado – quem foi um na fase escolar sempre se identifica -, no caso o adolescente George, super-inteligente, mas desinteressado de todos os aspectos práticos da vida por acreditar que é tudo de uma grande inutilidade considerando-se que todos nascemos e morremos sozinhos.

Impossível não acompanharmos expectantes ele se deixar experimentar um pouco da vida mundana de adolescentes comuns levado pela nova amiga Sally – uma loirinha linda que se interessa por aquele garoto estranho que a salva de ser pega fumando na escola.

Podem ser todas as hipóteses acima juntas e mais a cena que, para esta romântica incurável, valeu o filme todo: uma simples e nada original declaração de amor que termina assim: “Antes eu não era nada… era menos que nada. Você mudou isso”.
Eu sei, assim, fora de contexto, parece piegas, mas dê-se a chance de ver Highmore com sua expressão de sinceridade desconcertante e pura proferi-la com os olhos marejados e TALVEZ você entenda do que estou falando.

P.S. Até agora não entendi a escolha do título do filme.

Acho que acabo de assistir ao vencedor do Oscar 2012 de Melhor Filme: “A Invenção de Hugo Cabret”, de um Martin Scorsese completamente fora de seu estilo habitual de cinema.

Confesso que, apesar de considerá-lo um mestre nas técnicas cinematográficas, não sou fã da maioria das histórias filmadas pelo diretor dos violentos “Táxi Driver”, “Touro Indomável” e “Os Infiltrados”. Concordo que seus filmes figuram entre os melhores já produzidos pela indústria norte-americana, mas, salvo “A Época da Inocência” e “A Ilha do Medo”, os roteiros que filmou antes de “O Aviador” transbordam muito sangue e testosterona para o meu gosto pessoal.

Mas “A Invenção de Hugo Cabret” é diferente de tudo o que o cineasta já fez. Baseado em um livro infantil homônimo, costura uma série de homenagens à história da sétima arte enquanto narra as aventuras de um órfão que vive incógnito dentro do relógio da estação de trem de Paris, na década de 30.

Quando tem seu caderno de anotações roubado pelo dono de uma oficina de brinquedos instalada na estação, Hugo (Asa Butterfield) conhece a neta dele (Chloe Moretz), com quem iniciará uma aventura para solucionar um mistério envolvendo o robô que herdou de seu pai morto e o avô da menina.

É lindo acompanhar o raciocínio infantil – portanto simples e singelo – que leva Hugo a decidir-se por ajudar a “consertar” a vida do papa George (Ben Kingsley, sempre galante), que como um relógio quebrado, amarga a perda de sua função no mundo.

Impossível não se enternecer.

Mas quem ama cinema para além da telona também conseguirá divertir-se identificando referências à sétima arte, como a música do clássico“A Grande Ilusão” (Jean Renoir, 1937) tocando no café da estação e a apropriação de George Meliès – ilusionista que tornou-se um dos precursores dos efeitos especiais nos primórdios do cinema – como um dos personagens-chaves da história.

Em uma sequência, aparecem entre os frequentadores da estação nada menos que o escritor James Joyce, o líder político britânico Winston Churchill e o guitarrista belga Django Reinhardt.

Também uma instituição do cinema, o veteraníssimo ator Christopher Lee faz uma belíssima participação especial como o livreiro Labisse (que timbre magnífico de voz ele continua a ter!).

E a fotografia, belíssima, é um espetáculo à parte.

Enfim, são homenagens demais ao cinema para não derreter os corações dos votantes do Oscar, que obviamente se sentirão tão homenageados quanto, já que são parte desta indústria de sonhos.

Recentemente, li a uma entrevista de Scorsese dizendo que o cinema salvou sua infância solitária, enchendo-a de magia. Identifiquei-me imediatamente! O cinema e os livros também fizeram companhia à minha infância solitária, a ponto d’eu nem perceber que era solitária (só depois de crescida me dei conta… rs). Os filmes fizeram-me companhia até antes dos livros, já que me acompanham desde antes da alfabetização.

Ah e como foi bom viajar nesta arte mágica! Quem tem esta relação com cinema, vai resgatá-la, como eu, assistindo ao filme de Scorsese…

Quando ouvi aquele “Yeahhhh… anybodyyyyyyyyyyyy...” cantado em coro operístico em tom crescente na abertura de “Love Birds”, não deu outra: sabia que ia gostar daquele filme neozelandês de sinopse fraquinha, mas com o trunfo imbatível de ter o personagem principal fanático pelo grupo QUEEN – minha banda favorita entre todas (e olhe que gosto de muita coisa!).

Começar ao som de “Somebody to love” – uma entre tantas obras-primas do rock operístico do grupo – foi matador. Fez-me simpatizar de cara com o personagem Doug, um empreiteiro de mão-de-obra que leva um fora da namorada por não ter grandes ambições na vida.

Sua fossa começa grandiosamente bem, ao som de “It’s a Hardlife”. Quando decide curtir a dor-de-cotovelo adotando um pato que cai ferido sobre seu telhado, aprende a lidar com ele ao som de “Crazy Little Thing Called Love”.

É através da ave que Doug conhece a zoóloga Holly (a atriz inglesa Sally Hawkins), com quem passa a sair. Quando a apresenta aos amigos, ela o tira para dançar na introdução de “Don’t Stop me Now”, que começa linda e lenta para virar um rockão eletrizante em seguida.

Doug leva o novo animal de estimação para todo o lado ouvindo o que ao rádio?… de “I Want to Break Free” a“Who wants to live forever”, as gravações mais populares do Queen. Suas músicas, aliás, tocam nas cenas mais importantes e/ou engraçadas. Tem até uma hilária perseguição de bicicleta ao som da performática “Bicycle Race”.

Tudo bem que o filme segue a receitinha de toda comédia romântica: moço conhece moça, ambos se apaixonam e encontram, no meio do caminho, um complicador que os fará descobrir que foram, afinal, feitos um para o outro.

Não faz mal, porque sua realização é correta e grandiosamente embalada pela trilha sonora do grupo inglês. Os atores são até convincentes, apesar do pesadíssimo sotaque neozelandês, e o final é IMPAGÁVEL, com um clipe em que todos os personagens dublam “Princess of the universe” em performances caricatas engraçadíssimas!

Enfim, “Love Birds” cumpriu o que prometeu: divertiu-me muuuuito.

Valeu!